Qual é a diferença entre atuar em uma peça e atuar em um filme? os atores não se cansam de desempenhar o mesmo papel e de ler as mesmas falas centenas de vezes por ano?

Para o filme, um talentoso editor pode criar uma performance impressionante de várias horríveis. Entre os editores de cinema locais, Scuttlebutt é que o trabalho editorial mestre ganhou o prêmio de Halle Berry por Monster's Ball, e não suas performances diante da câmera no dia.

Para o teatro ao vivo, está tudo bem, verrugas e tudo, para o público ver. Não há recomeço a menos que seja improvisação. Se um ator esquece uma frase, se atrapalha, pisa na sugestão de outro ator ou prat caí do palco, um novo conjunto de habilidades entra em jogo (perdoe o trocadilho) sobre como o ator e seus colegas de elenco se recuperam graciosamente ou com humor para tentar manter a descrença do público suspensa ou, na sua falta, permitir que o público ria e siga em frente com o senso da comunidade de que estamos juntos nessa jornada.

O filme também tem a capacidade de passar por vários locais físicos. Um cenário, o Mise en scène, afeta a percepção do público sobre o desempenho. O teatro ao vivo, mesmo com apartamentos e design de produção surpreendentemente inteligente, é um espaço restrito que implora ao público que pinte nos visuais maiores com sua imaginação. É verdade que algumas peças percorrem as ruas da cidade para alavancar locais físicos, coisas legais, no entanto, enquanto as pessoas batem os pés ou o ônibus até o local, um filme pode ...

E pós-produção. O teatro ao vivo não tem nenhum, enquanto recentes busters de blocos não existiriam sem ele. E isso realmente afeta o desempenho de um ator. Um palco e um palco de tela verde têm algumas coisas em comum por falta de detalhes e manifestações físicas, tendo que usar sua imaginação à medida que você interage com os guaxinins faladores ou pessoas azuis gigantes. O teatro ao vivo, no entanto, tem uma platéia ao vivo para reagir e extrair energia, ajustar e ocultar seletivamente ou virar a cara. A tela verde tem apenas demandas de diretoria, bolas de tênis penduradas em cordas e uma quantidade enorme de tripulantes esperando nos seus turnos para serem relevantes ou entram em ação enquanto rolam ou depois que alguém grita "Corta!"

Em um palco, você deve ser ouvido, para ter que projetar adequadamente sua voz. As pessoas não vão ver expressões faciais sutis, então você deve se expressar com a linguagem corporal. Os atores de palco precisam ensaiar com perfeição. Eles não têm chance de tentar algo mais de uma vez. Eles estão na frente da platéia, entregando seu desempenho para eles ali mesmo. Os atores de palco precisam repetir seu desempenho por vários dias, geralmente várias semanas. Talvez até meses ou anos.

A atuação cinematográfica é, de certa forma, mais próxima da realidade e, de outras formas, nem tanto. O objetivo de um ator de cinema é agir completamente natural, como se eles fossem o personagem que estavam interpretando. Esse personagem deve ser completamente crível, como se fosse uma pessoa real, monstro ou alienígena que você encontrou no mundo real. O que eles fazem, até as entonações, espasmos faciais, hábitos, etc, devem estar na linha do que você esperaria deles se eles realmente vivessem. Um ator de cinema começa a "tentar novamente até acertar". Pode ser 10 vezes que uma linha é entregue antes da próxima tentativa. A atuação do filme geralmente não é feita cronologicamente. Eles podem atuar a cena final logo antes de fazer a cena de introdução. Às vezes, o diretor pode mantê-lo cronológico para o benefício da performance, mas geralmente está na ordem mais adequada para minimizar as configurações de iluminação e os dias em que determinados atores precisam aparecer. Na mesma nota, dois atores podem estar na mesma cena e nunca se encontrar na vida real. De fato, um ator de cinema pode até não estar no filme, com base em decisões tomadas durante a edição, embora ... isso provavelmente iria incomodá-lo.

Como professor de fala e teatro agora, falo sobre a diferença que espaço e distância significam em sua comunicação (atuar ou falar - não importa). Essa diferença significa agir de dentro para fora, com o que você é quase visível no seu rosto. Na atuação do filme, cada ação e reação é realizada na ausência do outro. Você falará normalmente ou até mais suave do que o normal, dependendo da intenção. Você já ouviu falar de desespero silencioso? No palco, você tem sussurros no palco; No filme, você raramente tem um motivo, a menos que seja uma história em quadrinhos.

Atuar no cinema é mais sobre deixar sua marca do que acertar sua luz, e não é cronológico. Quanto ao tempo de ensaio, não há. O personagem está vivo no minuto em que você obtém o roteiro, se você tiver um, ou você tem uma idéia do que o diretor quer que seu personagem faça e você tem uma cena improvisada. Não seja mimado lá também. O diretor poderia facilmente se voltar para você e perguntar o que você acha que seu personagem faria nessa cena em particular, sem dicas ou estímulos.

Não há filme ou filme enquanto você está atuando; você tem que "ligar" instantaneamente. A compilação que você pode ver na pós-produção.

Você precisa bater no chão correndo para usar uma frase banal, mas ela diz. Você simplesmente tem que estar no auge ou a filmagem acabaria no chão da sala de corte. Você realmente precisa sentir o momento, ignorando as câmeras e os microfones que estão próximos a você, seja para um momento de close-up ou por cima do ombro. Você precisa ignorar os muitos outros desinteressados ​​com outros trabalhos que não se importam se você se sente à vontade.

Os dias podem ser longos, mesmo que você não tenha o tempo de ensaio e isso pode levar anos até que você veja o produto final. De certa forma, para um ator de teatro, fazer um primeiro filme parece tão surreal quanto fazer um novo tipo de teatro. Você não apenas está deixando o público entrar, mas todos no estúdio podem invadir seu espaço pessoal. As pessoas não ficam tão próximas quanto na vida real no cinema; no entanto, você precisa colocá-los no quadro. É por isso que seus filmes caseiros não parecem tão bons quanto um filme real.

Não é apenas a música e efeitos especiais. Ainda assim, a maior diferença é que você precisa suavizar tudo o que diz e faz em pequenos momentos. Esqueça a projeção. Quando você sussurra, você realmente sussurra. Quando você gritar, você realmente gritará.

Algumas partes podem incluir um você sem corpo. Pode haver uma maneira de obter um bom som na cena - para que você o cubra mais tarde no estúdio.

Você precisa ter um rosto quase de borracha - um rosto que reflete toda a emoção com um visual - os atores podem precisar de um pequeno monólogo para expressar no palco.

Russell Crowe, um não cantor com o poder das estrelas vencedor do Oscar, interpretou Javert em

os Miseráveis

porque ele poderia agir no momento.

Anne Hathaway cantando provavelmente a música mais famosa do musical de joelhos e a personagem gritando em seu rosto fez todo mundo ficar arrepiado e ganhou um merecido Oscar. Ela carregava no rosto a tortura que havia sofrido, intensificada por uma tremenda atuação musical.

Tudo isso porque a atuação no cinema e a atuação no palco são diferentes. Crowe pode não ser capaz de cantar, mas ele tem um daqueles rostos "de borracha", onde um ou dois olhares podem traduzir para uma página de monólogo. E ele é um ator ator de cinema, então esquecemos a falta de canto e ficamos hipnotizados com a incrível atuação do filme.

Talvez, uma última observação, o filme atuando como ator envolva presença, mas de natureza diferente. Ironicamente, a presença dos atores do filme para mostrar uma atitude ou emoção específica na cena é encenada pelo diretor da câmera. No palco, o ator pode fazer uma pose para fazer uma declaração sobre seu personagem, ou o diretor que está criando a arte no palco ou eu o coloco em posição de criar um quadro de personagens para manter o público focado nesses personagens.

Do ponto de vista do ator:

Fluxo.

No palco, atuar é contar histórias ao vivo. O fluxo da história é moldado pelo público e pelos atores em tempo real. Nunca é exatamente a mesma história duas noites seguidas. Se a audiência demorar a responder, os atores podem modificar o desempenho para corresponder. E eles podem assistir nas laterais para ver como outras partes da peça estão progredindo. A peça é a coisa!

Há um fluxo no filme, mas isso está completamente fora do controle do ator. Um ator é um participante muito mais passivo em um filme do que o resultado final sugeriria. Geralmente a única coisa que um ator

lata

o foco é o desempenho individual. Nós simplesmente não chegamos a

Vejo

performances dos outros até a exibição - e é um pouco tarde para mudar alguma coisa então.

Além disso:

Preparação.

O filme parece ter uma ênfase maior nas performances espontâneas. Você aprende suas falas, é informado sobre onde ficar - e alguém grita "ação". No palco, você aprende suas falas, é informado de onde se posicionar - e depois passa várias semanas ensaiando para entender a história e o lugar do personagem nela.

De fato, a esse respeito, eles

não poderia ser mais diferente

t:

improvisação

e

ensaio

são opostos completos.

Semelhanças entre atuação cinematográfica e teatral (com algumas diferenças sugeridas).

Há muitos mal-entendidos e muita confusão sobre o ofício de atuar no cinema e no palco.

Esses equívocos nascem quase todos do desconhecimento por parte de ambas as comunidades sobre o que o outro realmente faz!

O cinema e o palco são muito parecidos, pois ambos procuram um comportamento verdadeiro em circunstâncias imaginárias. Ambos têm como objetivo cumprir o ditado de Stanislavski de que os atores devem "viver em privado em público". A diferença entre eles reside nas demandas técnicas de cada um.

1. No palco, o ator deve chamar a atenção; na câmera, a câmera focaliza o que o diretor quer que seja visto.

2. No palco, o ator tem a capacidade de repetir uma performance noite após noite, o que geralmente aprofunda sua performance e, portanto, o impacto emocional da peça. Na câmera, o ator repete uma cena ou uma sequência repetidamente, o que deve, se o ator e o diretor estiverem sincronizados, produzir um trabalho diferente e ou melhor. Isso é semelhante ao modo fora de sequência em que a maioria das peças é dirigida, ou seja, cenas fora de ordem e, em seguida, montadas nas últimas semanas de ensaio.

3. No palco, o ator faz uma cena e sai do palco por apenas um breve momento, raramente deixando os arredores imediatos do próprio palco. Uma peça geralmente leva cerca de duas horas. Na câmera, quando uma nova cena deve ocorrer, a produção precisa parar, novas luzes e ângulos da câmera devem ser configurados e, frequentemente, toda a empresa pode precisar mudar de um local para outro. Portanto, a concentração necessária para um ator de teatro não é tão difícil quanto para o ator de cinema que pode precisar manter o foco e esperar de 8 a 10 horas enquanto sai do set e entra no trailer. E eles podem filmar tão fora de sequência que o ator pode se aproximar de uma cena que foi filmada muito mais cedo no dia. Por esse motivo, muitos atores de cinema podem ser criticados como 'método demais' ou difíceis de trabalhar, ou hostis. Na realidade, eles precisam manter o compromisso emocional com as cenas em que estão sendo convidados a filmar naquele dia.

4. No palco, os atores devem “encontrar sua luz” e manter a encenação acordada no ensaio. Embora pequenas alterações na preparação não afetem os requisitos gerais da produção. No filme, os atores também precisam estar cientes da encenação ou “atingir suas marcas”. O filme é muito mais específico, pois também precisa de iluminação.

5. No palco, o ator deve dar voz suficiente para ser ouvido no teatro em que está trabalhando. As vozes no palco devem ser enérgicas o suficiente para chamar a atenção e despertar a atenção do público. No filme, o ator deve

permita que o microfone amplie sua voz. No entanto, com a crescente tendência de usar microfones no palco, essa diferença está diminuindo.

6. No palco, o ator deve perceber qual é a estrutura dramática da cena em relação à sua ação (bits em russo) e, através de suas interações, garantir que elas ocorram. No filme, as filmagens cuidam principalmente delas por meio de sequências de edição e filmagem, no entanto, o ator saavy deve estar ciente das batidas tanto ou mais que o ator de palco, devido à natureza desarticulada da programação de filmagens.

7. No palco, o ator tem a capacidade de fazer a performance dentro do breve prazo da performance. O filme é mais parecido com algumas técnicas de ensaio de teatro nas quais a peça é ensaiada aos poucos antes de ser montada. O filme é filmado fora de sequência e, portanto, como o palco, o ator deve reconhecer a ação anterior.

8. No palco, os movimentos físicos do ator são bastante irrestritos. Na câmera, movimentos irrestritos são mais prováveis ​​em fotos longas e menos em close-ups. No

ambos, a eficiência do movimento é valorizada. Também é necessário que os atores do filme sejam um pouco mais lentos em movimento, pelo menos em close-ups e duas cenas, por causa da câmera.

precisa segui-los. A grande diretora comercial, Leslie Dektor, disse uma vez que os atores deveriam imaginar que a câmera está presa a uma corrente e a alguma distância de

eles. Com essa imagem, o ator entenderá que não apenas ele está conectado à câmera, mas esse movimento repentino e não planejado sacudiria a câmera como uma bola no final de uma corda, ou o passeio de chicote em um carnaval.

9. No palco, o texto do ator costuma transmitir aquelas coisas que não são vistas ou os sentimentos que o personagem tem. O filme faz a maior parte disso para o ator simplesmente através de imagens e música. Há um princípio básico do filme de que, tanto quanto possível, a câmera deve contar a história sem palavras. O teatro vem de um

tradição literária; o filme é muito mais digno das artes visuais. Como é dito, a câmera vê você pensar.

10. No palco, os atores podem fazer escolhas de personagens que são extremas, porque o palco não se baseia no realismo. O cinema é essencialmente um meio realista e a necessidade de personalização profunda do ator é mais necessária (desculpe-me) do que o palco. Obviamente, as escolhas de palco que os atores fazem também são delimitadas pelo tamanho do teatro. Em Chicago, a maioria dos nossos cinemas tem entre 40 e 150 lugares, o que leva a um estilo de atuação mais íntimo. Talvez seja por isso que tantos atores de Chicago façam a transição fácil para a câmera, o que contribui para nos tornarmos um centro de produção de filmes.

11. No palco, o roteiro é sagrado, enquanto os roteiros costumam ser apenas um guia. Isso depende dos diretores e escritores envolvidos, mas, como regra geral, é verdade.

12. No palco, atores e diretores geralmente trabalham para criar um conjunto, em que pequenos papéis são tão importantes quanto os papéis principais e, com exceção da Broadway, não há estrelas. O filme geralmente é baseado no poder de atração de seu ator principal financeiramente, e freqüentemente todos os outros papéis são vistos como auxiliares. É claro que isso é uma generalização, porque como diretor de elenco, trabalhei com muitos diretores que vêm de uma maneira de trabalhar baseada em conjuntos, ou seja, os irmãos Coen.

13. No palco, o ator é o artista essencial e o trabalho do diretor é guiá-lo para uma maneira particular de ver o papel e a peça. Depois que o diretor se for, o ator pode permanecer por meses e até anos. Na câmera, o diretor é o artista essencial porque, embora ele possa guiar o ator para uma visão específica, quando o ator sai do set e as filmagens terminam, o diretor e o editor escolhem o que gostam e o resto nunca é visto.

14. O público cinematográfico fica quase hipnotizado pela natureza avassaladora do som e pela luz que emana da tela. O espectador se envolve no mundo à sua frente e, quando funciona bem, perde a sensação de estar no meio da multidão. Como resultado, o cinéfilo precisa de espaço para se tornar um personagem. Atores que são “grandes” demais, ou seja, atores que não deixam espaço suficiente para o público participar emocionalmente, podem diminuir a eficácia dos observadores. Palco, por outro lado, é quase sempre uma experiência comunitária. O público responde como um grupo, e os atores são sempre influenciados por seu comportamento, consciente e inconscientemente. O palco é um meio muito mais social, imediato e efêmero. Quando uma peça termina a noite, nenhum outro grupo de pessoas poderá ter a mesma experiência.

A atuação do filme é quase sempre executada fora de sequência. Muitas vezes, todas as cenas com um determinado ator são filmadas em um dia (ou em uma sequência de dias) para que, uma vez concluídas, os produtores possam deixá-lo ir e parar de pagar. Se esse ator estiver apenas em duas cenas, digamos a primeira e a última cenas do filme, essas cenas serão filmadas juntas, talvez no mesmo dia.

A ordem de disparo também pode ser confusa devido aos locais. Se um personagem viaja de Nova York a Paris, as cenas de Nova York geralmente são filmadas de uma só vez. Então as cenas de Paris serão filmadas. (Ou o contrário.)

Os atores de palco geralmente têm um ensaio mínimo de duas semanas antes de pisar na frente da platéia. Os ensaios podem durar muito mais que isso: um mês, vários meses - até anos em casos extremos. Muitos filmes não são ensaiados ou são apenas ligeiramente ensaiados. É simplesmente muito caro pagar Meryl Streep por um mês de ensaio. No filme, o "ensaio" geralmente ocorre na câmera. Se os atores ainda não estão prontos, essas cenas não se acostumam.

Os atores do palco e da tela estão preocupados com o "arco" de um personagem. Um arco simples pode ser um personagem começando feliz e gradualmente ficando cada vez mais deprimido à medida que a história continua. Pense em como é difícil fazer isso quando uma história é filmada fora de sequência! O ator tem que pensar: "Ok, ainda não filmamos, mas a cena anterior a essa é a que eu descobri que minha mãe morreu, então, em

isto

cena, eu deveria estar lidando com isso. Mas não sei que meu pai morreu até três cenas a partir de agora, então ainda não devo brincar de 'depressão total'. "

No palco (na maioria das peças), um ator pode simplesmente passar pelas experiências de seu personagem em ordem cronológica. Então ele naturalmente se sentirá triste por sua mãe morrer

isto

cena porque ele apenas

reproduziu

a cena em que ela morreu.

Os atores de palco geralmente têm muito mais liberdade de movimento. Isso nem sempre é o caso, porque a iluminação pode ser estanque e um ator pode receber ordens para não sair de uma esfera específica de iluminação. Mas, muitas vezes, os atores de palco são livres para percorrer o palco, improvisando seus movimentos, pelo menos até certo ponto.

Isso raramente é possível para atores de cinema. Uma foto deve ser acesa com precisão e as câmeras devem ser focadas em um ângulo específico. Portanto, os atores precisam ficar em lugares muito específicos ou ficarão fora do alcance da câmera ou fora de foco. Pense na próxima vez que você ver um ator enlouquecendo em um filme, por exemplo, Al Pacino em "Scarface". Ele não pode simplesmente arremessar por todo o cenário, indo aonde ele quiser. Ele tem que "acertar suas marcas".

Obviamente, quando você assiste a uma peça ao vivo, os sons que você ouve dos atores estão saindo da boca deles. Os filmes geralmente são "repetidos", pelo menos parcialmente. Isso significa que os atores precisam dublar suas falas mais tarde, sincronizando-se, como cantores na maioria dos videoclipes. Isso acontece porque, principalmente nas filmagens no local, é difícil obter um áudio claro.

Há um filme obscuro chamado "The Last of Sheila", no qual Diane Cannon interpreta um personagem que quase morre e depois sofre um colapso histérico, grande parte do qual foi improvisado gritando e rindo loucamente. Eu estava ouvindo o comentário do DVD e fiquei surpreso ao saber que ela tinha que repetir a cena. Portanto, os sons que você ouve saindo dela enquanto ela discute e elogia não são os sons que ela estava fazendo no dia em que filmaram a cena.

Todos os atores precisam trabalhar para manter o foco. É difícil dizer: "Ser ou não ser ..." enquanto alguém na platéia está espirrando. Os atores de cinema têm obstáculos especiais quando se trata de foco. Eles estão em uma sala cheia de dezenas de membros da tripulação e com câmeras presas em seus rostos.

Pense em uma cena pequena e íntima que você ama, talvez em uma conversa tranquila entre pai e filha, como algumas cenas de "To Kill a Mockingbird". A realidade era que, enquanto essas cenas estavam sendo filmadas, um grupo de sindicalistas estava em pé ao redor do set, ajustando controles, segurando microfones, empurrando a câmera para mais perto em uma grande pista chamada dolly.

Esse famoso colapso estava fora de linha e terrivelmente profissional, mas todo ator de cinema pode se relacionar com ele:

Toda vez que você vê um recorte em um filme, isso significa que deve haver uma nova configuração. Na maioria das vezes, é muito mais complexo do que apenas apontar a câmera para uma nova direção. Toda a cena deve ser iluminada novamente.

Então imagine esse momento em um filme:

JOHN Estou cansado de nossas brigas constantes! Não quero mais falar sobre isso!

John sai do sofá e caminha para a cozinha.

MARIA (chamando-o.) Isso mesmo, seu covarde! Apenas vá embora!

JOHN (Na cozinha, murmurando para si mesmo.) Puta!

MARY - Como você acabou de me chamar?

Talvez a equipe de produção começasse filmando Mary. Eles iluminavam a cena para mostrar o ponto de vista de John sobre ela, de seu ângulo no sofá. Depois de uma hora montando a cena, eles chamavam a atriz Mary de seu trailer e a filmaram dizendo: "Isso mesmo, seu covarde! Apenas vá embora!" e "Como você acabou de me chamar?"

Para ajudá-la a entrar no clima, um assistente lia as linhas de John fora do alcance da câmera. Se John estiver no set naquele dia, ele pode ler suas próprias falas, para ajudar Mary. Mas se ele não for chamado, alguém terá que lê-los.

Mary terminou de filmar durante o dia, então ela vai para casa. A equipe ilumina o sofá e, quando estão prontas, ligam para John de seu trailer. Ele se senta no sofá e filma uma dúzia de cenas dele dizendo: "Estou cansado de nossas brigas constantes! Não quero mais falar sobre isso!"

Eles finalmente conseguem a opinião que gostam, mas o engenheiro de som diz: "Desculpe. Ouvi um avião passando por cima ..." O diretor pode decidir fazer um loop mais tarde (se houver orçamento para isso) ou refazer a cena.

Quando todos ficam felizes, John volta ao trailer e espera por uma hora enquanto eles acendem o conjunto da cozinha. Finalmente, ele sobe ao palco e eles o filmam dizendo "Cadela!"

Agora imagine atuar a mesma cena no palco. Fluiria sem interrupções.

A atuação de filmes geralmente requer um estilo diferente do teatro. Mesmo em um pequeno teatro, o ator precisa projetar sua voz e, em certa medida, suas expressões. Tudo precisa ser exagerado até certo ponto, para que ele seja lido pelas pessoas na fila de trás. Uma vez que os atores se acostumam a agir dessa maneira, não parece falso para eles ou para a platéia. Mas é definitivamente um estilo não realista. A atuação cinematográfica geralmente é muito "menor". Os atores que vão e voltam entre o palco e a tela precisam aprender a modular suas performances para cada meio.

Os atores de palco nunca podem escapar completamente do artifício da situação. É claro para eles que estão em um set e, é claro, eles podem ver o público. Em uma filmagem, a realidade da situação pode variar de absurda a incrivelmente realista. Obviamente, parece bobagem conversar com um alienígena invisível enquanto está diante de uma tela azul. Por outro lado, quando o set é um castelo tridimensional realista e cheio de extras em armaduras completas, pode parecer muito autêntico para os atores que interpretam o rei e a rainha. E, claro, se você estiver filmando no Grand Canyon, parece que está no Grand Canyon.

isto

lata

seja entediante para os atores (por exemplo, na Broadway) apresentando centenas de vezes na mesma peça. Mas isso lhes dá a chance de realmente aperfeiçoar seus papéis: experimentar coisas novas todas as noites, vendo como o público reage a eles. Para um ator de cinema, uma vez que está "na lata", eles nunca terão outra chance. Tendo trabalhado em teatro ao vivo e (um pouco) em cenários de filmes, eu diria que o último é

caminho

mais tedioso que o anterior. Os atores de cinema vêm bem preparados com livros de palavras cruzadas e romances longos, porque há horas e horas sentadas e esperando nos sets de filmagem.

A maior diferença entre filme e atuação no palco é a

público

. É por isso que a maioria dos atores prefere estar no palco. Os atores de palco tendem a ter essa sensação incrível de estar conversando com o público. Que eles e o público estão co-criando algo em tempo real. É uma corrida tremenda. Também é muito assustador. Você não pode ocultar seus erros "simplesmente não usando essa tomada", mas isso faz parte da diversão. É como andar na corda bamba.

A diferença em termos da manutenção diária, é mantê-lo fresco. Em uma peça, você precisa passar por toda a experiência todos os dias em que está tocando e encontrar uma maneira de mantê-la fresca todos os dias, 8 mostra uma semana por quantos meses você estiver tocando. Considerando que a cada ciclo de filmagem, temos uma nova experiência fazendo TV. Você ganha uma nova peça toda semana e meia ou duas semanas, seja qual for o ciclo de gravação. Portanto, essa é uma diferença distinta, pois daqui a seis meses eu ainda poderia estar dizendo as mesmas palavras que estava dizendo seis meses antes. Então esse é um exercício diferente. Mas você também não precisa, todos os dias, controlar essa nota alta. Pode ser uma história diferente se, por um dia, você tiver 10 vezes a nota mais alta em seu registro. Você pode não tê-lo na nona ou décima vez ou nas quatro primeiras vezes, mas você tem seis, sete e oito? Então, isso é uma diferença na televisão. É apenas um trabalho diferente dos músculos. A coisa que eu achei a maior lição para mim quando se tratava de cinema e televisão, porque eu estava nervosa no começo, como será quando não tivermos ensaio por quatro semanas? Vou conhecer todas as coisas técnicas? Vou ter que ser menor ou parecer mais suave? Tenho que diminuir meu desempenho ou energia? E o que realmente aprendi a fazer televisão é não. Boas histórias são boas histórias, é menos sobre isso. É menos sobre isso. Uma boa história é uma boa história e você poderá encontrar o caminho.